当喜茶不再以产品，而是以其独树一帜的稚拙感设计引发讨论时——或许折射出一个信号：在技术指数级演进的行业底色下，人们对那些像素级精确、配色冷静、毫无破绽的商业设计，似乎已经开始感到疲劳，转而望向更轻松、真实的设计表达。

从另一个角度来看似乎也并非坏事，它意味着市场在为另一种视觉语言腾出了空间。日本平面设计师前原翔一的设计风格，便是这种空间中的独特景观。

《CA ET LA》

Via 前原翔一

前原翔一毕业于多摩美术大学平面设计系，先后就职于电通和DRAFT，2019年正式独立，同年便凭作品《CA ET LA》入围JAGDA AWARD，其后于2022年获JAGDA新人奖，所得票数在本届新人奖中位列最高。对于国内设计界而言，他的名字往往与“手绘笔触”“感性线条”“粗粝与放松”等描述一同出现。

《CA ET LA》

Via 前原翔一

不过，在构思如何介绍他的时候我们也在思考，在设计日益数字化的今天，“手感”这个词似乎也在沦为一种怀旧的修辞，或者是一种无法拆解、只能意会的审美情趣——仿佛一个设计师的作品是否“有手感”，全凭天赋和直觉。

事实上，当一个设计师持续产出“有手感”的作品，而且是具有商业完成度的作品，“手感”不可能只是一次又一次的灵感迸发，而是被某种流程或决策体系支撑着。因此，风格之外，我们还试图拆解其背后的方法论。

《meets》专辑设计

Via 前原翔一

关于前原翔一的一切都要从那几根看似“随意”的手绘线条说起，在他的众多商业项目中，我们可以看到这种手绘的魅力。

比如他获得JAGDA奖的日本雨伞品牌 Caetla 海报，便是将小朋友特有的歪斜英文字体印在海报中孩童身上。这种印刷在不少人看来或许是“不工整的”，但他恰恰用这种歪斜去传递雨伞在风中摇曳的自由感——虽是平面设计，却给人一种流动的画面感受。

《CA ET LA》

Via 前原翔一

在他的「花あそ部」海报设计中，“花游部”三个大字像是用枯笔在粗糙的纸上刷出来的一样，形成了干湿、浓淡、飞白的丰富变化，让一个社团活动的海报拥有了某种东方的“野趣”。

花あそ部

Via 前原翔一

除了手绘，他还会通过对不同材质的巧妙处理达到他想呈现的效果，比如在他为一本名为《float in space》的书籍设计封面时，就用墨汁和哑光清漆对一种名为“MIRANDA”的特殊纸张表面的光泽进行遮盖，使闪光在黑色的基底中幽幽透出，呈现出“朦胧模糊的轮廓”；再克制地点出眼睛鼻子——虽然看似简单随意，却在保持个人风格的前提下呼应了主题。

「晴々/青のなかで」专辑设计

Via 前原翔一

可以发现他的作品以手绘线条和漫画感的图案为特点，并且呈现出让不同工具留下的痕迹。其风格介于日本设计的极简传统与某种野生的表现力之间，一方面继承了日本文化中深刻内核，另一方面又像从未被规训的小孩，呈现着一种兼具艺术氛围与生命力的状态。

ZZZING(ぐーぐー)

Via 前原翔一

他的笔触稚拙却不“幼稚”——他不是因为能力的缺席，在被动且不得已的情况带来了“幼稚”；而是一个已经掌握全部技巧的人，在充分知晓“正确做法”的前提下，主动选择了偏离，这就是“稚拙”。

仔细分解前原翔一的创作手法会发现，这不仅仅是“用孩子的眼睛去看”这么简单，其背后是一套成熟的“语法”：

“在动手试验中捕捉偶然”描述了方法论的核心。前原翔一的作品不会从软件里直接成型，而是先在纸面上大量试探。这个阶段的关键不在于“画得准不准”，而在于画出那些无法被预设的线条：手的抖动、纸面的阻力、墨迹的漫散。

「晴々/青のなかで」专辑设计

Via 前原翔一

它们记录了某个不可替代的瞬间——那一刻，手握着那支笔，在那个角度、那个力度下画出了那一根线。在AI可以模仿一切视觉风格的今天，这种“身体性”，或许是设计中最无法被自动化的部分。

而这种大量试错的策略，目的不是“找到对的”，而是“发现意外”——发现那个没有被大脑规划过、却恰好击中项目内核的瞬间。支撑这套策略背后的核心能力并非“画得好”，而是判断力，即在一个偶然的笔触出现时，认出它的价值。判断力同样需要训练，同样可以积累。

「CあO2（顔ｽ）」展览

Via 前原翔一

同时，他对创作工具的选用，并不仅仅停留在“喜欢用什么就用什么”的习惯层面，光是笔类工具就能察觉差异化。比如毛笔墨汁的氤氲、铅笔的涩行、马克笔铺开的均匀色块——这三种笔触都会构成不同的叙事语调，形成不同的情绪层次感。

全国高校生花いけバトル2024

Via 前原翔一

前原翔一曾在大学讲座中提到：设计中最重要的是人。更具体地说法是，设计不是为“标准”服务的，而是为永远不规则、不完美的人类服务的。

这句话似乎并不陌生，毕竟在当代设计的语境里，“以人为本”“用户中心”早已成为某种正确到近乎空洞的口号。但前原翔一说出这句话时，它有不一样的重量——因为这是在设计领域的每一次选择中，一步一步走出来的。

书籍设计

Via 前原翔一

当设计是一种人际沟通的方式，他在商品化社会中依然坚持的手绘笔触，本质上正是这种“非标准化沟通”的视觉体现，是设计师作为活生生的个体与消费者之间的一次坦诚的触摸。一张海报、一个包装、一本小册子——它们不是单向的信息轰炸，而是一次双向的情感邀约。

而那些保留在他作品中的“稚拙”不是噱头，而是品牌人格化的真诚尝试，用以维系品牌与人之间的长期关系。他所经营的，更像是一个品牌与消费者之间的情感账户——每一次真诚的视觉沟通都是一笔“存款”，而信任则是在这笔存款上生长出来的新数字。

海报设计

Via 前原翔一

同时，在他的语境中，设计不仅是商业的工具，更是社会文化的一部分。他关注的不仅仅是“设计好不好看”，而是“设计与社会和经济的发展密切相关”这一更大的命题。与上世纪90年代日本设计初代“商业巨匠”们所不同之处在于，前原翔一这代设计师成长于经济衰退的平成时代，他们不再以高速增长期那种炫技式的视觉轰炸为荣，而是更能意识到设计需要关注人与人之间的细微情感与社会连接。

海报设计

Via 前原翔一

在“手感”、“手工”等元素文艺复兴的今天，前原翔一的实践展示了这种方式的可能性与价值：这不是对效率的拒绝，而是对效率的系统性补充。当设计只追求结果，它就沦为工业；当设计同时珍视过程，它就是文化。

在智能时代的设计背景下，一件能与观者建立情感联结的作品变得至关重要，“连接情感”更成为不可或缺的设计趋势。为此，这些兼具“拙气”“淘气”与“精致”的情绪价值，成为无数品牌的追求。那么，那些松弛、高级的线条与图形，究竟如何实现？

前原翔一认为，设计要实现情绪创造，首先要让学员理解如何“从情感出发”。

东京中城・设计中心・儿童工作坊2022

Via 前原翔一

这个过程并非停留在思考层面，而是不断动手“试验”，并在过程中建立人与人之间的“情感账户”；其次是学习捕捉关键元素的瞬间，掌握如何从偶然的线条与形状中提炼主题，并将其打磨成具备传播力的视觉表达。在工作坊中，绘画、拼贴、解构、拍摄等各类手工创作形式，都有可能成为连接情感的“工具”。有趣的是，创作过程中允许变化、失误与直觉的存在，直至形成属于自己的视觉语言，并将作品以B3尺寸呈现。

在这场工作坊里，你会清晰记住自己作为情绪创造者的每一步实践！工作坊成品既可作为个人作品集，也能直接应用于商业实践，实用性极强。

TIME

2026年7月15日至7月19日

9:00-17:00

PRICE

4月24日-5月11日

早鸟优惠：6499元

5月12日-7月1日

统一定价：7999元

LOCATION

广东省深圳市南山区

华侨城文化创意园北区OCAT-B10馆

LANGUAGE

配备双语翻译

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